Điều khiến Piano Masterworks đặc biệt không đơn giản nằm ở con số 50 CD. Đây gần như là một thư viện lịch sử nghệ thuật piano thu nhỏ, nơi người nghe có thể đi từ Bach và Mozart qua Beethoven, Schubert, Chopin, Schumann, Liszt, Brahms rồi tiến tới Debussy, Ravel, Rachmaninov, Prokofiev và âm nhạc thế kỷ XX.
Decca Piano Masterworks 50 CD – 2008 là bộ sưu tập gì?
Decca Piano Masterworks là một tuyển tập lớn được xây dựng xoay quanh nghệ thuật piano cổ điển. Nếu nhiều boxset khác chỉ tập trung vào một nhà soạn nhạc hoặc một nghệ sĩ, bộ 50 CD này lại đặt chính cây đàn piano vào vị trí trung tâm, từ đó mở rộng ra nhiều thời kỳ, nhiều phong cách và nhiều thế hệ nghệ sĩ. Cách tiếp cận này khiến bộ sưu tập có giá trị rất đặc biệt bởi người nghe không chỉ thưởng thức từng tác phẩm riêng lẻ mà còn có thể nhận ra cây đàn piano đã thay đổi thế nào trong lịch sử âm nhạc châu Âu.
Khi nghe Bach, piano được sử dụng như một phương tiện để làm rõ cấu trúc và đối âm. Đến Mozart, nhạc cụ trở nên thanh lịch, trong sáng và cân bằng. Beethoven đẩy sức mạnh biểu cảm của piano lên một quy mô chưa từng có trước đó, còn Chopin gần như biến cây đàn thành giọng nói cá nhân. Liszt lại khám phá khả năng trình diễn cực hạn, khiến hai bàn tay của một nghệ sĩ có thể tạo cảm giác như cả một dàn nhạc đang vang lên. Sang Debussy và Ravel, piano không còn chỉ là melody và harmony mà trở thành màu sắc, ánh sáng, nước, sương và không gian. Rachmaninov đem đến những làn sóng cảm xúc khổng lồ, còn Prokofiev biến piano thành một nhạc cụ có tính tiết tấu mạnh, sắc cạnh và đôi khi gần như percussive.
Chính vì vậy, Decca Piano Masterworks không nên được nhìn đơn thuần như một compilation 50 CD. Nó giống một hành trình nghiên cứu bằng âm thanh. Người nghe có thể dành hàng tháng để khám phá mà vẫn liên tục tìm thấy những điều mới. Có những tác phẩm ngay lần đầu đã gây ấn tượng, nhưng cũng có những tác phẩm phải nghe năm lần, mười lần hoặc nhiều hơn mới bắt đầu bộc lộ chiều sâu. Đây chính là phẩm chất quan trọng của những bộ classical có giá trị lâu dài: chúng không chỉ hấp dẫn ở lần nghe đầu tiên mà còn trưởng thành cùng trải nghiệm của người nghe.
Vì sao bộ 50 CD này đặc biệt trong thế giới piano cổ điển?
Điểm đầu tiên khiến Decca Piano Masterworks nổi bật là quy mô. Năm mươi CD đủ lớn để tạo thành một thư viện thực sự, nhưng vẫn đủ tập trung để người nghe có thể tiếp cận dần dần mà không bị cảm giác quá nặng nề như những mega-box lên tới 100, 150 hoặc 200 CD. Một người mới có thể bắt đầu bằng vài nhà soạn nhạc quen thuộc, sau đó mở rộng dần. Một người đã nghe classical lâu năm có thể chọn những tác phẩm mình yêu thích rồi so sánh cách thể hiện giữa các nghệ sĩ.
Điểm thứ hai là sự đa dạng về repertoire. Piano classical không phải một thế giới đồng nhất. Một Prelude của Bach và một Étude của Chopin có thể cùng được chơi trên một cây grand piano hiện đại nhưng đòi hỏi hai tư duy hoàn toàn khác nhau. Beethoven và Debussy cũng khác nhau gần như hai ngôn ngữ. Rachmaninov và Mozart đặt ra những yêu cầu rất khác đối với dynamics, touch, phrasing và cách sử dụng pedal. Vì vậy, khi một boxset đưa tất cả những thế giới đó vào cùng một hành trình, người nghe có cơ hội nhận ra những khác biệt mà một album đơn lẻ khó có thể mang lại.
Điểm thứ ba nằm ở đội ngũ nghệ sĩ. Classical music không chỉ là những nốt nhạc mà nhà soạn nhạc viết ra. Một score chỉ là điểm bắt đầu. Từ score đến bản thu là cả một quá trình diễn giải. Tempo nhanh hay chậm, một phrase kéo dài ra sao, pedal được sử dụng nhiều hay ít, dynamics thay đổi thế nào, một melody được đặt nổi lên trên accompaniment ở mức độ nào, tất cả đều thuộc quyết định của nghệ sĩ. Bởi vậy, việc nghe nhiều pianist trong cùng một boxset giúp người yêu âm nhạc nhận ra rằng không tồn tại một Beethoven duy nhất, một Chopin duy nhất hay một Mozart duy nhất. Mỗi nghệ sĩ mang đến một cách nhìn riêng.
Cây đàn piano và vị trí đặc biệt trong lịch sử âm nhạc
Piano là một trong số rất ít nhạc cụ có khả năng hoạt động gần như một hệ thống âm nhạc hoàn chỉnh chỉ với một người chơi. Pianist có thể đồng thời đảm nhiệm melody, accompaniment, bass, harmony và nhiều lớp counterpoint. Hai bàn tay có thể hoạt động như hai thế giới độc lập, thậm chí trong những tác phẩm phức tạp còn có cảm giác như ba hoặc bốn giọng nhạc đang diễn ra cùng lúc. Đây là một khả năng đặc biệt mà rất ít nhạc cụ đơn lẻ có thể thực hiện được.
Cũng chính vì vậy, piano đã trở thành phòng thí nghiệm sáng tạo của rất nhiều nhà soạn nhạc. Beethoven thường thử nghiệm những ý tưởng lớn của mình trên piano. Chopin dành gần như toàn bộ sự nghiệp cho nhạc cụ này. Schumann biến piano thành nơi ghi lại đời sống nội tâm. Liszt dùng nó để mở rộng khả năng kỹ thuật. Brahms đưa cấu trúc đối âm và hòa âm đậm đặc vào từng lớp âm thanh. Debussy biến piano thành bảng màu. Ravel sử dụng nó như một cỗ máy tinh xảo được chế tác đến từng chi tiết. Rachmaninov khai thác toàn bộ không gian bàn phím để tạo ra những làn sóng âm thanh cực kỳ rộng.
Một grand piano hiện đại có dải động rất lớn. Nó có thể thì thầm ở mức pianissimo nhưng chỉ vài giây sau có thể bùng nổ với fortissimo mạnh mẽ. Một note riêng lẻ có thể ngắn, nhưng cộng hưởng của dây và soundboard khiến âm thanh tiếp tục tồn tại trong không gian. Hàng chục dây có thể cộng hưởng với nhau, tạo ra một hệ thống harmonic vô cùng phức tạp. Đây chính là lý do piano vừa hấp dẫn về nghệ thuật vừa là một trong những nhạc cụ khó tái tạo nhất trên hệ thống âm thanh.
50 CD như một hành trình xuyên suốt nhiều thế kỷ
Một cách thưởng thức rất thú vị đối với Decca Piano Masterworks là nghe theo trật tự lịch sử thay vì chọn ngẫu nhiên. Khi làm như vậy, bạn gần như có thể nghe thấy sự thay đổi của cả nền văn hóa âm nhạc châu Âu. Với Bach, cấu trúc đối âm vẫn là một yếu tố cốt lõi. Sang Mozart, mọi thứ trở nên cân bằng, thanh lịch và sáng rõ. Beethoven bắt đầu phá vỡ sự cân bằng ấy để tìm kiếm một ngôn ngữ mạnh mẽ hơn, cá nhân hơn và có quy mô lớn hơn. Schubert đưa giai điệu trữ tình vào những không gian nội tâm sâu sắc. Chopin biến piano thành một ngôn ngữ của cảm xúc cá nhân. Liszt đưa kỹ thuật biểu diễn lên mức chưa từng có.
Đến Brahms, người nghe lại gặp một sự kết hợp giữa tính kiến trúc của Beethoven và sự giàu cảm xúc của Romanticism. Debussy và Ravel mở ra một cánh cửa mới, nơi harmony không còn nhất thiết phải vận động theo logic truyền thống mà có thể tồn tại như màu sắc. Rachmaninov đưa chủ nghĩa Lãng mạn đến một quy mô âm thanh cực lớn, trong khi Prokofiev bắt đầu sử dụng piano với những accent mạnh, rhythm sắc và một tư duy rất hiện đại. Nghe tuần tự như vậy, người yêu classical sẽ nhận ra rằng lịch sử piano không phải một chuỗi tên tuổi rời rạc mà là một quá trình phát triển liên tục.
Johann Sebastian Bach – nền móng của nghệ thuật keyboard
Johann Sebastian Bach là một trong những nền móng quan trọng nhất của toàn bộ âm nhạc phương Tây. Mặc dù các tác phẩm keyboard của ông ra đời trước thời grand piano hiện đại, chúng vẫn trở thành một phần không thể thiếu trong repertoire của mọi pianist lớn. Lý do nằm ở cấu trúc phi thường của âm nhạc Bach. Mỗi voice có thể chuyển động độc lập, nhưng tất cả vẫn kết nối với nhau bằng một logic gần như hoàn hảo. Chơi Bach vì vậy không chỉ là chơi đúng nốt mà còn là làm rõ kiến trúc của tác phẩm.
Một nghệ sĩ có thể sử dụng pedal rất đẹp trong Chopin để tạo sự hòa trộn giữa các harmony, nhưng khi đến Bach, quá nhiều pedal dễ khiến các voice bị đục. Pianist phải kiểm soát articulation, balance và phrasing với độ chính xác cao hơn. Tay phải và tay trái không chỉ chia nhau melody và accompaniment như nhiều tác phẩm Romantic. Có lúc cả hai tay phải cùng thể hiện nhiều voice ngang hàng. Điều đó khiến Bach trở thành một trong những bài kiểm tra quan trọng nhất về tư duy âm nhạc.
Điều kỳ lạ là dù cấu trúc rất trí tuệ, âm nhạc Bach hoàn toàn không khô. Những Prelude có thể đầy ánh sáng. Những Fugue có thể mạnh mẽ, trang nghiêm hoặc suy tư. Có những khoảnh khắc đem lại cảm giác tâm linh rất sâu sắc. Vì vậy, người nghe có thể tiếp cận Bach theo nhiều mức độ khác nhau. Người mới có thể đơn giản cảm nhận vẻ đẹp của melody và harmony, trong khi người nghe lâu năm bắt đầu chú ý đến từng voice, từng motif và cách chúng phát triển.
Mozart – vẻ đẹp của sự cân bằng và thanh khiết
Mozart thường khiến người nghe cảm giác mọi thứ rất tự nhiên. Một melody đẹp xuất hiện, được phát triển rồi trở về như thể đó là điều hiển nhiên. Nhưng chính sự tự nhiên ấy lại là một trong những điều khó nhất đối với pianist. Âm nhạc Mozart thường trong suốt, vì vậy rất ít chỗ cho nghệ sĩ che giấu những hạn chế. Một touch quá nặng, một câu phrasing thiếu tự nhiên hoặc một đoạn chạy ngón không đều đều dễ dàng bị phát hiện.
Một pianist giỏi khi chơi Mozart không cố chứng minh kỹ thuật. Trái lại, kỹ thuật phải trở nên gần như vô hình. Người nghe không nên có cảm giác nghệ sĩ đang vật lộn với bàn phím. Mọi thứ phải trôi chảy, cân bằng và có duyên. Đó là vẻ đẹp rất riêng của Classical period. Không cần những chord khổng lồ như Rachmaninov, không cần những cao trào cực đoan như Beethoven, cũng không cần màu sắc phức tạp như Debussy. Mozart chinh phục bằng tỷ lệ và sự tự nhiên.
Các Piano Concerto của Mozart cũng thể hiện rõ tinh thần này. Piano và orchestra không phải hai lực lượng đối đầu. Chúng trò chuyện. Orchestra giới thiệu một ý tưởng, piano tiếp nhận rồi biến đổi, woodwind đáp lại, strings xây dựng nền và cả dàn nhạc cùng đưa câu chuyện về phía trước. Chính cách đối thoại tinh tế đó khiến concerto Mozart vẫn luôn là một trong những tiêu chuẩn quan trọng đối với pianist và conductor.
Beethoven – người đưa piano vượt khỏi giới hạn cổ điển
Nếu Mozart đại diện cho sự hoàn thiện của phong cách Cổ điển thì Beethoven là người bắt đầu phá vỡ rất nhiều giới hạn của nó. Piano dưới tay Beethoven không còn chỉ là một nhạc cụ dùng để thể hiện sự thanh lịch. Nó trở thành phương tiện để nói về xung đột, ý chí, đau khổ, chiến thắng, cô đơn và cả những suy tư gần như triết học. Những tác phẩm piano của Beethoven vì vậy có thể khiến người nghe cảm giác đang đối diện với một con người thực sự chứ không chỉ là một hệ thống âm thanh.
Các Sonata nổi tiếng như Pathétique, Moonlight hay Hammerklavier cho thấy sự biến đổi rất lớn trong cách Beethoven sử dụng piano. Pathétique đã có sức mạnh kịch tính vượt xa nhiều sonata thế kỷ XVIII. Moonlight mở đầu bằng một không gian tĩnh lặng, gần như ám ảnh, nhưng đến chương cuối lại bùng nổ dữ dội. Hammerklavier thì mở rộng cấu trúc sonata đến quy mô khổng lồ và đặt ra những thử thách kỹ thuật cũng như trí tuệ cực kỳ cao cho người chơi.
Điều quan trọng là Beethoven không viết khó chỉ để gây ấn tượng. Những yêu cầu kỹ thuật luôn phục vụ cho ý tưởng âm nhạc. Một octave mạnh, một chord lớn hay một đoạn chạy tốc độ cao đều có vai trò trong cấu trúc. Vì vậy, nghệ sĩ không chỉ cần bàn tay mạnh và kỹ thuật tốt mà còn phải có khả năng nhìn toàn bộ tác phẩm như một kiến trúc lớn.
Những Piano Sonata của Beethoven và chiều sâu tư tưởng
Piano Sonata của Beethoven có thể được xem như một trong những bộ nhật ký âm nhạc quan trọng nhất của lịch sử. Qua chúng, người nghe có thể theo dõi sự thay đổi của chính nhà soạn nhạc. Những tác phẩm thời kỳ đầu còn mang dấu ấn Mozart và Haydn nhưng đã xuất hiện những dấu hiệu cá nhân mạnh mẽ. Đến giai đoạn giữa, piano trở nên hùng mạnh, kịch tính và có tính anh hùng. Ở những sonata cuối đời, Beethoven lại bước vào một thế giới khác, trầm tĩnh hơn nhưng sâu sắc đến mức khó diễn tả.
Điều này khiến việc nghe Beethoven không nên dừng ở những tác phẩm nổi tiếng nhất. Moonlight rất đẹp, nhưng nếu chỉ nghe Moonlight, người nghe sẽ bỏ lỡ phần lớn thế giới Beethoven. Hammerklavier cho thấy ông có thể tạo ra một cấu trúc gần như symphonic trên piano. Những sonata cuối như Op.109, Op.110 và Op.111 lại cho thấy một Beethoven không còn cần gây ấn tượng với bên ngoài. Âm nhạc hướng vào nội tâm, nơi thời gian có lúc gần như ngừng trôi.
Đây là repertoire mà một người có thể nghe suốt nhiều thập kỷ. Khi còn trẻ, bạn có thể bị thu hút bởi sức mạnh. Sau này, những đoạn chậm lại trở nên quan trọng hơn. Cùng một bản thu có thể đem lại cảm giác hoàn toàn khác sau mười năm. Đây chính là lý do Beethoven luôn là trung tâm của hầu hết những bộ sưu tập piano lớn.
Piano Concerto Beethoven – cuộc đối thoại giữa cá nhân và dàn nhạc
Nếu Sonata là không gian riêng tư thì Piano Concerto mở rộng Beethoven ra quy mô lớn. Piano không còn độc thoại mà phải sống trong mối quan hệ với orchestra. Qua các concerto, vai trò soloist ngày càng phát triển. Ở những tác phẩm đầu, người nghe vẫn có thể nhận ra tinh thần Mozart, nhưng đến Piano Concerto No.4 và No.5, Beethoven đã tạo ra một thế giới của riêng mình.
Piano Concerto No.4 đặc biệt bởi cách piano bắt đầu tác phẩm gần như một lời nói riêng tư trước khi orchestra trả lời. Đây là một lựa chọn rất táo bạo đối với thời đại. Piano Concerto No.5 lại đi theo hướng ngược lại, mở ra với một tinh thần rực rỡ và quy mô lớn. Piano xuất hiện như một nhân vật đầy tự tin, nhưng tác phẩm không chỉ có sự hoành tráng. Chương chậm chứa một vẻ đẹp cực kỳ tinh tế trước khi chuyển sang finale tràn đầy năng lượng.
Với người chơi Hi-Fi, concerto Beethoven cũng là một trải nghiệm rất thú vị. Piano phải hiện diện rõ ràng nhưng không được tách rời khỏi orchestra. Strings cần có chiều rộng, woodwind cần giữ màu sắc riêng, brass chỉ nên nổi bật ở những điểm cần thiết. Một bản thu và hệ thống tốt sẽ giúp người nghe cảm nhận được cả quy mô orchestral lẫn từng nuance nhỏ trong tiếng đàn.
Franz Schubert – âm nhạc của ký ức, cô đơn và vẻ đẹp nội tâm
Schubert tạo ra một thế giới khác hoàn toàn Beethoven. Nếu Beethoven thường thể hiện ý chí và xung đột thì Schubert lại có khả năng khiến người nghe chìm vào ký ức. Một melody tưởng như rất giản dị có thể lặp đi lặp lại nhưng mỗi lần trở lại lại mang một sắc thái khác. Một modulation bất ngờ có thể thay đổi toàn bộ cảm xúc chỉ trong vài giây. Chính khả năng chuyển từ ánh sáng sang bóng tối gần như không báo trước khiến Schubert có sức hấp dẫn đặc biệt.
Những Impromptus và Moments Musicaux là ví dụ rõ ràng. Chúng không cần quy mô lớn như Hammerklavier để tạo chiều sâu. Một tác phẩm chỉ vài phút vẫn có thể chứa cả một thế giới cảm xúc. Đôi khi đó là sự bình yên. Đôi khi là nỗi buồn. Có lúc giống một điệu hát đơn giản, nhưng chỉ một thay đổi hòa âm đã khiến toàn bộ không gian trở nên xa xăm.
Schubert là loại âm nhạc càng nghe chậm càng đẹp. Không cần volume lớn. Không cần cố tìm cao trào. Người nghe chỉ cần để melody phát triển tự nhiên. Trong những buổi tối yên tĩnh, Schubert có khả năng tạo ra một cảm giác gần gũi mà nhiều composer khác không có.
Frédéric Chopin – nhà thơ vĩ đại của cây đàn piano
Nếu phải chọn một nhà soạn nhạc gắn bó sâu sắc nhất với piano, Chopin chắc chắn nằm trong số những cái tên đầu tiên. Gần như toàn bộ sự nghiệp của ông xoay quanh cây đàn và chính điều đó giúp Chopin hiểu khả năng biểu cảm của piano đến một mức rất đặc biệt. Ông biết cách khiến melody ở tay phải hát như giọng người, biết cách sử dụng accompaniment ở tay trái để tạo dòng chuyển động mềm mại, biết cách dùng pedal để hòa trộn harmony mà không làm âm thanh mất độ rõ.
Điểm lớn nhất ở Chopin là kỹ thuật và cảm xúc gần như không thể tách rời. Nhiều Étude của ông cực kỳ khó nhưng không bao giờ chỉ là bài luyện ngón. Mỗi Étude là một tác phẩm nghệ thuật hoàn chỉnh. Một passage chạy nhanh có thể tạo cảm giác như gió. Một chuỗi arpeggio có thể trở thành những làn sóng. Octave mạnh có thể mang tính bi kịch. Vì thế, pianist càng giỏi càng phải làm cho người nghe quên đi độ khó.
Chopin cũng là nhà soạn nhạc mà người mới nghe classical rất dễ tiếp cận. Melody của ông đẹp, nhưng càng nghe lâu càng thấy harmony và cấu trúc tinh tế. Nocturne có thể hấp dẫn ngay từ lần đầu, nhưng Ballade hoặc Sonata lại đem lại những tầng ý nghĩa sâu hơn sau nhiều lần nghe.
Nocturne, Prelude, Mazurka, Waltz và Ballade của Chopin
Nocturne là một trong những thể loại gắn liền với hình ảnh Chopin. Melody thường nổi lên trên một accompaniment nhẹ, tạo cảm giác như một giọng hát trong đêm. Nhưng để chơi Nocturne đẹp không hề đơn giản. Tay trái phải đủ mềm để không cạnh tranh với melody, tay phải phải có khả năng tạo một đường hát dài, pedal phải được kiểm soát chính xác và rubato phải linh hoạt nhưng không làm mất nhịp cơ bản. Khi mọi yếu tố cân bằng, piano có thể thật sự cất tiếng hát.
Prelude của Chopin lại cho thấy khả năng cô đọng. Nhiều Prelude rất ngắn nhưng mỗi tác phẩm có một cá tính riêng. Có Prelude chỉ kéo dài hơn một phút nhưng tạo được một trạng thái cảm xúc hoàn chỉnh. Có bản rực rỡ, có bản u tối, có bản đầy kịch tính và có bản gần như chỉ là một hơi thở.
Mazurka mang tới một khía cạnh khác. Chopin sử dụng nhịp điệu dân gian Ba Lan nhưng không đơn giản sao chép dance music. Ông biến chúng thành ngôn ngữ cá nhân, nơi những accent lệch, những khoảng dừng và những harmony bất ngờ tạo nên một thế giới rất riêng. Càng nghe các Mazurka cuối đời, người ta càng nhận ra Chopin có tư duy hòa âm tiên tiến như thế nào.
Waltz lại đem đến cảm giác salon, nhưng nhiều tác phẩm không thực sự được viết để khiêu vũ. Chúng giống những ký ức về ballroom hơn là âm nhạc chức năng. Có Waltz rực rỡ, có Waltz nhẹ nhàng, có bản mang một nỗi buồn kín đáo.
Ballade là nơi Chopin đạt đến quy mô lớn hơn. Bốn Ballade có tính kể chuyện cực kỳ mạnh. Không có lời, không có chương trình cụ thể nhưng người nghe vẫn cảm nhận được mở đầu, phát triển, xung đột và cao trào. Ballade No.4 đặc biệt phức tạp về cả kỹ thuật lẫn cấu trúc, là một trong những kiệt tác lớn nhất của toàn bộ repertoire Romantic.
Robert Schumann – piano như cuốn nhật ký của tâm hồn
Schumann là một trong những nhà soạn nhạc có đời sống nội tâm thể hiện rõ nhất qua piano. Âm nhạc của ông có thể thay đổi tính cách chỉ trong vài ô nhịp. Một đoạn đầy năng lượng có thể lập tức chuyển sang mơ mộng, rồi bất ngờ trở nên u tối hoặc bùng nổ. Điều này tạo cảm giác như nhiều nhân vật đang cùng tồn tại trong một con người.
Piano rất phù hợp với thế giới Schumann bởi nhạc cụ này có khả năng thay đổi trạng thái cực nhanh. Một pianist có thể chuyển từ forte sang pianissimo chỉ trong một giây, từ melody rõ ràng sang texture mờ ảo, từ rhythm mạnh sang một phrase tự do. Schumann sử dụng những khả năng đó để xây dựng một thứ âm nhạc gần với văn học.
Khi nghe Schumann, điều quan trọng không phải lúc nào cũng là tìm một melody dễ nhớ. Nhiều tác phẩm giống như dòng ý nghĩ. Chủ đề xuất hiện rồi biến mất, quay trở lại trong một hình thức khác. Vì vậy, nghe nhiều lần thường đem lại trải nghiệm phong phú hơn rất nhiều so với lần đầu.
Franz Liszt – khi một cây đàn có thể trở thành cả dàn nhạc
Franz Liszt là một trong những nhân vật đã thay đổi hình ảnh của pianist trong thế kỷ XIX. Ông không chỉ là một composer lớn mà còn là một nghệ sĩ biểu diễn có sức ảnh hưởng phi thường. Liszt liên tục mở rộng giới hạn kỹ thuật của piano. Octave tốc độ cao, arpeggio trải khắp bàn phím, repeated notes, những chord khổng lồ và nhiều kỹ thuật khác được ông sử dụng với mức độ táo bạo chưa từng có.
Tuy nhiên, nếu chỉ nhìn Liszt như một nhà soạn nhạc phô diễn kỹ thuật thì sẽ bỏ lỡ phần quan trọng nhất. Những passage khó không tồn tại chỉ để gây choáng ngợp. Chúng tạo màu sắc, drama và cảm giác không gian. Liszt có thể khiến một cây đàn duy nhất tạo ảo giác như nhiều nhạc cụ đang cùng chơi. Bass có thể giống cello hoặc double bass, melody giữa bàn phím giống horn, treble như violin, còn những chord lớn có thể gợi brass section.
Để làm được điều đó, pianist không chỉ cần ngón tay nhanh. Quan trọng hơn là voicing và balance. Nếu tất cả các note được chơi với cùng cường độ, âm nhạc sẽ trở thành một khối hỗn loạn. Nghệ sĩ phải biết lớp nào cần nổi lên, lớp nào phải lùi xuống và melody đang nằm ở đâu trong một texture rất dày.
Hungarian Rhapsodies và tinh thần biểu diễn rực rỡ của Liszt
Hungarian Rhapsodies là một trong những nhóm tác phẩm thể hiện rõ nhất sự rực rỡ của Liszt. Chúng thường kết hợp những đoạn chậm, tự do với những phần nhanh đầy năng lượng. Từ một câu melody giống như ngẫu hứng, âm nhạc có thể tăng tốc và dẫn tới những cao trào cực kỳ mạnh.
Đây là loại repertoire rất hấp dẫn với người mới nghe bởi hiệu ứng trực tiếp rất lớn. Nhưng khi nghe kỹ, người yêu piano sẽ nhận ra Liszt không chỉ dựa vào tốc độ. Những đoạn chậm đòi hỏi phrasing tinh tế, còn những phần nhanh phải giữ được rhythm và architecture. Pianist càng kiểm soát tốt thì màn trình diễn càng có cảm giác tự do.
Johannes Brahms – sức nặng, chiều sâu và kiến trúc âm nhạc
Brahms đưa người nghe vào một thế giới dày hơn và trầm hơn. Nếu Liszt có thể rất rực rỡ thì Brahms thường hướng tới chiều sâu. Ông chịu ảnh hưởng mạnh từ Bach và Beethoven, vì vậy cấu trúc luôn có vai trò rất quan trọng. Nhưng harmony và emotion hoàn toàn thuộc Romanticism.
Piano Brahms thường có nhiều inner voice, nhiều chord đầy và những layer nằm sát nhau. Điều này khiến việc giữ clarity trở thành thử thách lớn. Nếu chơi quá nặng, âm thanh dễ trở thành một khối đục. Nghệ sĩ cần làm nổi melody mà vẫn giữ được bass, middle voice và harmony.
Các Piano Concerto của Brahms đặc biệt bởi piano và orchestra gần như tạo thành một cấu trúc symphonic thống nhất. Soloist không đứng bên ngoài để khoe kỹ thuật. Piano liên tục hòa vào dàn nhạc, có lúc dẫn dắt, có lúc trở thành một phần của texture orchestral. Đây là những tác phẩm cần thời gian để hiểu, nhưng càng nghe lâu càng thấy quy mô và chiều sâu.
Debussy – piano biến thành ánh sáng, nước và màu sắc
Claude Debussy là một bước ngoặt lớn. Ở ông, harmony không còn nhất thiết phải vận động theo logic quen thuộc. Một chord có thể tồn tại đơn giản vì màu sắc của nó. Pedal được sử dụng để pha trộn âm thanh và tạo atmosphere. Piano bắt đầu giống một bảng màu hơn là một hệ thống melody-harmony truyền thống.
Debussy có khả năng gợi hình ảnh rất mạnh. Một passage có thể khiến người nghe nghĩ tới ánh trăng trên mặt nước. Một nhóm chord có thể tạo cảm giác sương mờ. Một motif nhỏ có thể giống một cơn gió. Điều đặc biệt là những hình ảnh đó không cần lời giải thích. Chỉ cần nghe, người nghe tự xây dựng thế giới của mình.
Clair de lune là ví dụ nổi tiếng nhất. Tác phẩm không cần kỹ thuật phô trương nhưng atmosphere xuất hiện ngay lập tức. Những chord mềm, melody rộng và khoảng lặng được đặt rất chính xác khiến thời gian dường như chậm lại. Chính những chi tiết nhỏ đó cũng cho thấy vì sao Debussy cần một pianist có touch và pedal cực kỳ tinh tế.
Ravel – sự tinh xảo và hoàn mỹ trong từng lớp âm thanh
Maurice Ravel thường được đặt gần Debussy nhưng phong cách rất khác. Nếu Debussy có cảm giác tự do và mơ hồ thì Ravel thường chính xác đến mức gần như kiến trúc. Mỗi note có vị trí rõ ràng, mỗi voice được bố trí cẩn thận và rhythm được kiểm soát chặt.
Điều thú vị là sự chính xác ấy không khiến âm nhạc lạnh. Ravel vẫn có thể tạo ra những không gian rất đẹp, bí ẩn hoặc dữ dội. Chỉ có điều mọi thứ được tổ chức cực kỳ tinh tế. Piano Ravel vì vậy đòi hỏi khả năng kiểm soát cao. Một passage nghe mềm mại có thể cực kỳ khó, bởi nghệ sĩ phải giữ nhiều layer nhưng không để texture bị đục.
Đây cũng là repertoire rất tốt để thưởng thức trên hệ thống âm thanh có độ phân giải cao. Những thay đổi nhỏ về touch, decay và pedal có thể tạo khác biệt lớn. Một chord không chỉ cần vang lên mà còn phải tan đi đúng cách.
Rachmaninov – đỉnh cao của chủ nghĩa Lãng mạn muộn
Sergei Rachmaninov đem lại một trải nghiệm hoàn toàn khác. Âm nhạc của ông có melody rộng, harmony phong phú và dynamic cực lớn. Rachmaninov cũng là một pianist phi thường với bàn tay lớn, điều phản ánh rất rõ trong cách ông viết cho piano. Nhiều chord trải rộng, texture dày và bàn phím được khai thác gần như toàn bộ.
Tuy nhiên, kỹ thuật không phải lý do chính khiến Rachmaninov được yêu thích. Điều quan trọng là emotion. Những melody của ông có khả năng đi thẳng vào người nghe. Piano Concerto No.2 là một ví dụ điển hình. Từ những chord mở đầu như tiếng chuông cho đến các melody rộng lớn xuất hiện sau đó, toàn bộ tác phẩm tạo cảm giác như một làn sóng cảm xúc liên tục phát triển.
Piano Concerto No.3 lại được biết đến như một trong những thử thách lớn nhất của repertoire concerto. Nhưng tác phẩm không chỉ khó bởi số lượng note. Pianist phải giữ được melody giữa texture cực kỳ dày, kiểm soát stamina trong một cấu trúc dài và tạo mối quan hệ cân bằng với orchestra. Nếu chỉ chơi nhanh và mạnh, tác phẩm sẽ mất linh hồn.
Rachmaninov và trải nghiệm Hi-Fi đầy ấn tượng
Rachmaninov là một trong những repertoire lý tưởng để thử khả năng của hệ thống âm thanh. Piano có thể chuyển từ pianissimo sang fortissimo rất nhanh. Orchestra có thể từ nền nhẹ nhàng trở thành một khối âm thanh khổng lồ. Strings cần có chiều rộng, bass phải sâu nhưng kiểm soát tốt và piano phải giữ được vị trí ngay cả trong những đoạn tutti lớn.
Một hệ thống có dynamic hạn chế dễ khiến cao trào trở nên phẳng. Ngược lại, hệ thống tốt sẽ giữ được sự khác biệt giữa các mức cường độ và giúp người nghe cảm nhận được quy mô thực sự của bản thu. Đây là lý do nhiều audiophile yêu thích concerto Rachmaninov.
Prokofiev – sức mạnh và nhịp điệu của piano thế kỷ XX
Prokofiev đưa piano sang một ngôn ngữ hiện đại hơn. Nếu Rachmaninov thường để piano hát thì Prokofiev có lúc sử dụng nhạc cụ gần như percussion. Chord mạnh, rhythm sắc, accent bất ngờ và những passage mang tính cơ khí xuất hiện thường xuyên.
Tuy nhiên, Prokofiev không hề thiếu lyricism. Ông có thể viết những melody rất đẹp, sau đó đột ngột chuyển sang một đoạn đầy góc cạnh. Sự tương phản này khiến âm nhạc luôn có cảm giác sống động.
Nghe Prokofiev sau Chopin hoặc Mozart giúp người nghe nhận ra piano đã thay đổi đến mức nào. Cùng một hệ thống bàn phím, nhưng tư duy hoàn toàn khác. Đây chính là một trong những lợi ích lớn của một bộ sưu tập trải dài nhiều thế kỷ như Decca Piano Masterworks.
Những nghệ sĩ piano đáng chú ý trong bộ sưu tập
Bên cạnh repertoire, đội ngũ nghệ sĩ là yếu tố tạo nên giá trị rất lớn cho Decca Piano Masterworks. Người nghe có thể gặp những tên tuổi như Wilhelm Kempff, Emil Gilels, András Schiff, Friedrich Gulda, Daniel Barenboim, Clara Haskil, Rudolf Serkin, Stephen Kovacevich, Zoltán Kocsis, Pascal Rogé, Andrei Gavrilov và nhiều nghệ sĩ quan trọng khác.
Mỗi pianist có một phong cách riêng. Wilhelm Kempff thường được yêu thích bởi chất thơ và cách nhìn sâu vào Beethoven hay Schubert. Ông không nhất thiết tìm kiếm âm thanh lớn nhất mà chú trọng phrasing và cảm giác tự nhiên. Beethoven qua Kempff có thể vừa mạnh vừa mang chất suy tư.
Emil Gilels lại có một sức mạnh khác. Tone lớn, kỹ thuật chắc chắn và khả năng kiểm soát phi thường giúp ông có thể xử lý những repertoire lớn mà không tạo cảm giác căng thẳng. Điều quan trọng là Gilels không chỉ chơi mạnh. Những đoạn chậm của ông có thể cực kỳ tinh tế.
András Schiff nổi bật với sự rõ ràng, intelligence và khả năng làm nổi cấu trúc. Với Bach, Mozart, Beethoven hay Schubert, cách tiếp cận này giúp người nghe dễ nhận ra architecture bên trong tác phẩm.
Clara Haskil lại có một chất tự nhiên hiếm có, đặc biệt trong Mozart. Bà không cố tạo hiệu ứng. Âm nhạc có cảm giác tự sinh ra, một phẩm chất cực kỳ khó đạt được.
Pascal Rogé nổi bật trong French repertoire. Với Debussy và Ravel, touch mềm, khả năng kiểm soát pedal và màu sắc đóng vai trò rất lớn. Một pianist phù hợp có thể khiến toàn bộ thế giới âm thanh Pháp trở nên sống động hơn hẳn.
Vì sao cùng một tác phẩm nhưng mỗi nghệ sĩ lại tạo ra một thế giới khác?
Đây là một trong những điều thú vị nhất của classical music. Nhà soạn nhạc viết score, nhưng score không xác định từng chi tiết tuyệt đối. Pianist phải đưa ra hàng nghìn quyết định. Tempo là bao nhiêu? Một phrase nên hướng tới nốt nào? Pedal được giữ trong bao lâu? Một chord cần mạnh tới mức nào? Một đoạn ritardando diễn ra ra sao? Melody phải nổi lên bao nhiêu so với accompaniment?
Chỉ cần thay đổi một vài yếu tố, cảm giác của tác phẩm có thể rất khác. Moonlight Sonata có thể trở nên rất u tối dưới một pianist, nhưng với người khác lại mang cảm giác tĩnh lặng và siêu hình. Chopin có thể rất lãng mạn, nhưng cũng có thể trở nên nghiêm khắc và kiến trúc. Bach có thể khô nếu chơi quá máy móc, nhưng cũng có thể rất giàu cảm xúc khi balance và phrasing được xử lý tốt.
Một bộ sưu tập nhiều nghệ sĩ như Decca Piano Masterworks vì vậy có giá trị giáo dục rất cao. Người nghe dần học được cách nhận ra interpretation thay vì chỉ nghe melody.
Piano Solo và Piano Concerto – hai trải nghiệm hoàn toàn khác nhau
Piano solo tạo cảm giác rất riêng tư. Chỉ có một nghệ sĩ và một cây đàn. Mọi nuance đều phơi bày rõ. Một touch hơi nặng, một note thiếu balance hay một đoạn pedal quá dài đều có thể nghe thấy. Vì vậy, solo repertoire là nơi cá tính nghệ sĩ hiện lên rất rõ.
Piano Concerto lại mở rộng không gian sang cả orchestra. Lúc đó pianist không chỉ diễn giải tác phẩm mà còn phải liên tục lắng nghe conductor và các nhóm nhạc cụ. Tempo, balance và dynamics phải được xây dựng chung. Piano đôi lúc nổi bật, đôi lúc lùi xuống, đôi lúc hòa vào orchestra như một nhạc cụ trong ensemble.
Việc Decca Piano Masterworks kết hợp cả hai loại repertoire giúp 50 CD có sự thay đổi liên tục về không gian. Sau một album Chopin solo đầy riêng tư, người nghe có thể chuyển sang Beethoven hoặc Rachmaninov Concerto với soundstage rộng lớn. Sự tương phản đó giúp bộ sưu tập không bị đơn điệu.
Decca Piano Masterworks và giá trị đối với người chơi Hi-Fi
Piano là một trong những nguồn âm rất tốt để đánh giá hệ thống Hi-Fi bởi nó kết hợp nhiều yêu cầu cùng lúc. Transient của tiếng búa gõ dây cần nhanh, nhưng phần decay sau đó phải kéo dài tự nhiên. Bass phải có trọng lượng nhưng không được ù. Treble cần sáng và rõ nhưng không được chói. Midrange phải đủ sạch để melody có thể nổi lên.
Trong bản thu solo tốt, người nghe có thể cảm nhận vị trí cây đàn trong phòng, đôi khi nghe được cả tiếng pedal hoặc những âm thanh cơ học rất nhỏ. Điều đó tạo cảm giác hiện diện.
Với concerto, bài kiểm tra khó hơn. Hệ thống phải tái tạo cả grand piano và orchestra mà không khiến chúng dính vào nhau. Strings cần trải rộng nhưng vẫn có texture, woodwind phải có vị trí riêng, brass cần đủ sức mạnh nhưng không lấn át và piano vẫn phải giữ được attack rõ ràng.
Vì vậy, một bộ 50 CD có nhiều phong cách như Decca Piano Masterworks vừa có giá trị âm nhạc vừa có thể trở thành nguồn nhạc tham chiếu thú vị cho những người chơi hệ thống âm thanh.
Vì sao định dạng FLAC Lossless phù hợp với piano cổ điển?
FLAC là định dạng nén không mất dữ liệu. Nếu được rip đúng từ nguồn CD hợp pháp, dữ liệu âm thanh sau khi giải mã có thể giữ nguyên so với nguồn số ban đầu. Điều này đặc biệt phù hợp với những bộ sưu tập lớn bởi dung lượng thường thấp hơn WAV nhưng vẫn giữ khả năng bảo toàn dữ liệu.
Đối với piano, chi tiết nhỏ có ý nghĩa rất lớn. Tiếng búa chạm dây chỉ tồn tại trong thời gian rất ngắn, trong khi phần harmonic và decay kéo dài sau đó. Nếu nhiều note được chơi cùng lúc, hàng loạt cộng hưởng xuất hiện. Một nguồn tốt giúp hệ thống tái tạo đầy đủ hơn những lớp thông tin này.
FLAC cũng rất tiện lợi cho việc tổ chức thư viện. Người dùng có thể lưu trên NAS, máy tính, Music Server hoặc ổ cứng và sử dụng metadata để tìm composer, pianist, album hoặc track. Với 50 CD, việc quản lý bằng thư viện số thuận tiện hơn rất nhiều so với việc phải liên tục thay đĩa vật lý.
Cách thưởng thức bộ 50 CD mà không bị choáng ngợp
Một sai lầm thường gặp khi sở hữu boxset lớn là cố nghe toàn bộ thật nhanh. Điều đó không cần thiết. Decca Piano Masterworks nên được xem như một thư viện chứ không phải một album phải nghe từ đầu đến cuối trong vài ngày.
Nếu mới nghe classical, có thể bắt đầu với Chopin, Mozart, Beethoven hoặc Rachmaninov bởi melody và cấu trúc tương đối dễ tạo ấn tượng. Sau đó chuyển sang Schubert và Schumann để khám phá chiều sâu Romantic. Khi đã quen hơn, Bach sẽ trở nên hấp dẫn hơn rất nhiều bởi người nghe bắt đầu nhận ra structure và counterpoint. Debussy và Ravel lại mở ra một thế giới hoàn toàn khác về màu sắc.
Bạn cũng có thể chọn nghe theo tâm trạng. Buổi sáng có thể là Bach hoặc Mozart. Buổi chiều thích hợp với Beethoven hoặc Brahms. Buổi tối yên tĩnh rất phù hợp với Chopin, Schubert hoặc Debussy. Khi muốn một trải nghiệm mạnh và hoành tráng, hãy tìm Rachmaninov hoặc Liszt.
Một cách khác là chọn một composer và nghe nhiều CD liên tục trong một vài tuần. Cách này giúp tai quen với ngôn ngữ riêng của nhà soạn nhạc. Sau đó khi chuyển sang composer khác, sự khác biệt sẽ hiện ra rất rõ.
Bộ sưu tập phù hợp với người mới nghe classical như thế nào?
Đối với người mới, một bộ 50 CD ban đầu có thể gây cảm giác quá lớn. Nhưng thực tế nó lại có một ưu điểm quan trọng: bạn không cần biết chính xác mình thích gì ngay từ đầu. Chỉ cần thử.
Nếu thích melody đẹp và cảm xúc rõ ràng, Chopin hoặc Rachmaninov là điểm khởi đầu tốt. Nếu thích sự sáng sủa và thanh lịch, hãy thử Mozart. Nếu muốn sức mạnh và chiều sâu, Beethoven là lựa chọn gần như không thể bỏ qua. Nếu thích không gian thư giãn, Debussy rất dễ tạo ấn tượng. Nếu thích kỹ thuật rực rỡ, Liszt sẽ hấp dẫn.
Sau một thời gian, bạn sẽ bắt đầu hình thành gu riêng. Có người từ Chopin chuyển sang Schubert. Có người từ Rachmaninov tìm đến Brahms. Có người ban đầu thấy Bach khó nhưng sau vài tháng lại trở thành composer yêu thích nhất.
Đó là một trong những giá trị lớn nhất của bộ sưu tập: nó không áp đặt một phong cách mà cho người nghe đủ lựa chọn để tự khám phá.
Giá trị đối với người đã có kinh nghiệm nghe nhạc cổ điển
Với người đã sở hữu nhiều album classical, Decca Piano Masterworks vẫn có giá trị bởi focus chuyển từ “tác phẩm gì” sang “ai chơi và chơi như thế nào”. Lúc này người nghe có thể so sánh interpretation.
Cùng Beethoven, bạn có thể chú ý cách từng nghệ sĩ xử lý tempo, dynamics hoặc inner voice. Với Chopin, bạn có thể nghe sự khác nhau trong rubato. Với Mozart, sự khác biệt nằm ở touch và balance. Với Debussy, pedal và màu sắc trở thành yếu tố trung tâm.
Người nghe lâu năm cũng thường thay đổi sở thích. Những bản thu từng thấy chậm có thể sau này lại trở nên sâu sắc. Một interpretation từng thấy thiếu dramatic có thể được đánh giá cao hơn bởi tính tự nhiên. Classical music vì vậy là một hành trình dài và các boxset nhiều nghệ sĩ có khả năng đồng hành rất lâu.
Giá trị sưu tầm lâu dài của Decca Piano Masterworks
Một bộ sưu tập classical có giá trị không nhất thiết phải chứa những bản thu mới nhất. Điều quan trọng hơn là chất lượng repertoire và nghệ sĩ. Bach, Mozart, Beethoven, Chopin, Schubert, Liszt hay Brahms sẽ không trở nên lỗi thời bởi xu hướng âm nhạc thay đổi.
Những nghệ sĩ lớn cũng vậy. Một bản thu quan trọng có thể được nghe sau nhiều thập kỷ mà vẫn giữ giá trị. Người nghe thậm chí còn có xu hướng đánh giá cao hơn những interpretation cũ khi đã hiểu sâu về repertoire.
Decca Piano Masterworks vì vậy là loại boxset không chỉ dành cho vài tháng. Một người có thể bắt đầu nghe ở tuổi hai mươi, quay lại sau mười năm và tìm thấy một ý nghĩa hoàn toàn khác. Đó chính là đặc điểm của một thư viện âm nhạc thực sự.
Vì sao Decca Piano Masterworks vẫn hấp dẫn sau nhiều năm?
Thị trường classical liên tục xuất hiện những bản thu mới, nhưng một tuyển tập được xây dựng quanh các kiệt tác nền tảng luôn có chỗ đứng. Người nghe có thể mua một album Chopin mới, nhưng điều đó không làm Chopin trong Decca Piano Masterworks trở nên vô nghĩa. Ngược lại, càng có nhiều interpretation mới, những bản thu cũ càng trở thành điểm tham chiếu để so sánh.
Điều tương tự xảy ra với Beethoven. Không có một bản thu duy nhất có thể nói hết Beethoven. Mỗi thế hệ pianist đều đem đến một cách nhìn mới. Vì vậy, sở hữu một bộ sưu tập nhiều nghệ sĩ giúp người nghe có một nền tảng để tiếp tục khám phá những bản thu khác.
Một lý do khác là sự tiện lợi. Thay vì phải tìm từng album riêng lẻ, 50 CD cung cấp ngay một panorama rộng về piano repertoire. Điều này đặc biệt hữu ích cho những người muốn xây dựng thư viện classical từ nền tảng.
Vì sao nên bổ sung Decca Piano Masterworks vào thư viện classical?
Nếu thư viện của bạn hiện có nhiều symphony hoặc opera nhưng ít piano, Decca Piano Masterworks là một cách rất tốt để mở rộng. Piano repertoire có một tính chất riêng mà orchestra không thể thay thế. Những khoảnh khắc chỉ có một nghệ sĩ và một cây đàn tạo ra cảm giác thân mật đặc biệt.
Ngược lại, nếu bạn vốn đã yêu piano, bộ 50 CD cho phép mở rộng phạm vi từ những composer quen thuộc sang những phong cách khác. Người yêu Chopin có thể khám phá Schumann và Liszt. Người yêu Beethoven có thể chuyển sang Brahms. Người yêu Debussy có thể tìm đến Ravel.
Về lâu dài, sự kết nối giữa các composer sẽ trở nên rõ ràng. Bạn có thể nghe Bach rồi nhận ra ảnh hưởng của counterpoint trong Brahms. Có thể nghe Beethoven rồi thấy Liszt mở rộng cách sử dụng piano như thế nào. Có thể nghe Chopin rồi nhận ra nhiều kỹ thuật màu sắc được những composer sau tiếp tục phát triển.
Vì sao nên tham khảo Decca Piano Masterworks tại KeyBanQuyen.VN?
Với những người đang xây dựng thư viện classical số, các boxset lớn cần được tổ chức rõ ràng theo album, số CD, composer, nghệ sĩ và track để quá trình tìm kiếm thuận tiện. Một bộ 50 CD nếu metadata hoặc cấu trúc thư mục thiếu khoa học có thể rất khó sử dụng, trong khi một thư viện được sắp xếp hợp lý giúp người nghe chỉ mất vài giây để tìm đúng tác phẩm mình muốn.
Tại www.KeyBanQuyen.VN, người yêu nhạc có thể tham khảo thêm thông tin về các bộ sưu tập classical, những boxset quy mô lớn và các tuyển tập piano nổi tiếng. Khi lựa chọn phiên bản số, nên ưu tiên nguồn phân phối hợp pháp, dữ liệu FLAC Lossless đầy đủ và cách tổ chức thư viện rõ ràng để bảo đảm giá trị sử dụng lâu dài.
Decca Piano Masterworks đặc biệt phù hợp với những người không muốn sở hữu chỉ một vài album rời rạc mà muốn xây dựng một nền tảng piano tương đối hoàn chỉnh. Khi đặt cạnh các boxset Beethoven, Chopin, Bach, Great Pianists hay những tuyển tập lớn của Decca, Deutsche Grammophon và Philips, bộ 50 CD có thể trở thành một phần quan trọng trong thư viện classical cá nhân.
Kết luận
Decca Piano Masterworks 50 CD – 2008 không chỉ là một tuyển tập piano đồ sộ mà còn là một hành trình xuyên qua lịch sử của nghệ thuật keyboard và piano. Từ những cấu trúc đối âm gần như hoàn hảo của Johann Sebastian Bach, vẻ thanh khiết của Mozart, sức mạnh tư tưởng của Beethoven, chất thơ cô đơn của Schubert, sự tinh tế đầy cảm xúc của Chopin, thế giới tâm lý của Schumann, kỹ thuật rực rỡ của Liszt, chiều sâu của Brahms, màu sắc của Debussy và Ravel cho tới những làn sóng cảm xúc rộng lớn của Rachmaninov và sức mạnh nhịp điệu của Prokofiev, mỗi giai đoạn đều cho thấy một khả năng khác của cây đàn piano.
Điều khiến bộ sưu tập đáng giá hơn nữa là sự hiện diện của nhiều pianist thuộc những trường phái khác nhau. Wilhelm Kempff, Emil Gilels, András Schiff, Friedrich Gulda, Daniel Barenboim, Clara Haskil, Rudolf Serkin, Stephen Kovacevich, Pascal Rogé, Zoltán Kocsis, Andrei Gavrilov và những nghệ sĩ khác không chỉ chơi lại những nốt nhạc đã được viết từ hàng trăm năm trước. Họ đưa kinh nghiệm, cá tính và cách nhìn riêng vào từng tác phẩm, giúp người nghe nhận ra rằng classical music luôn sống và luôn có khả năng thay đổi qua mỗi interpretation.
Với người mới nghe, Decca Piano Masterworks là một kho tư liệu tuyệt vời để tìm ra composer và phong cách yêu thích. Với người đã nghe classical nhiều năm, đây lại là nơi để quay lại so sánh nghệ sĩ, khám phá những chi tiết trước đây chưa từng chú ý và nhìn những tác phẩm quen thuộc dưới góc độ khác. Với người chơi âm thanh, piano solo và piano concerto cũng là nguồn nhạc rất tốt để cảm nhận dynamic, transient, soundstage, decay và khả năng tái tạo harmonic của hệ thống.
Quan trọng nhất, đây là loại bộ sưu tập không bị giới hạn bởi thời gian. Công nghệ nghe nhạc có thể thay đổi, từ CD sang Music Server, NAS hay streaming, nhưng Bach vẫn là Bach, Beethoven vẫn là Beethoven và Chopin vẫn có khả năng khiến người nghe xúc động sau hàng trăm năm. Một bộ 50 CD như Decca Piano Masterworks vì vậy không chỉ là một tập hợp file nhạc hoặc những chiếc đĩa riêng lẻ. Nó có thể trở thành một thư viện đồng hành cùng người yêu piano trong nhiều năm, mỗi lần quay lại lại mở ra một điều mới.
Nếu bạn đang tìm kiếm một bộ sưu tập piano có đủ chiều rộng để khám phá lịch sử, đủ chiều sâu để nghe lâu dài, đủ đa dạng để không nhàm chán và đủ nhiều nghệ sĩ để có thể so sánh nhiều trường phái trình diễn, Decca Piano Masterworks 50 CD – 2008 là một cái tên rất đáng để đưa vào danh sách ưu tiên.
[/chitiet] [huongdan] Mời bạn liên hệ với các số Hotline trên Website.! Hoặc Hướng dẫn mua Bản Quyền tại đây. Trân trọng Cám Ơn Quý Anh Chị. [/huongdan]